Научные публикации

Сборник статей подготовлен по материалам прошедшей 20–21 апреля 2023 года в МГУ конференции "Русское искусство. Структуры и личности" и посвящен памяти профессора О.С. Евангуловой. Выбрав на этот раз подзаголовок "Странствия и возвращение", авторы планировали посвятить разговор теме долгого перемещения, состояния "вне дома". Такое состояние сродни путешествию, но это более длительное и более сложное путешествие, не вояж, а путь, не тур, а странствия и скитания. Это часто жизнь и творчество на пределе возможностей или, наоборот, в необыкновенно спокойном ритме. Осветить на вопросы странствия и возвращения, пусть частично, раскрыть путь художника или картины, героя или образа, определить "адрес" происхождения артели, увидеть направление движения целой школы или стиля — все это связано с темой данного сборника. Издание адресовано историкам, историкам искусства и архитектуры, культурологам, студентам и аспирантам, а также широкой аудитории, интересующейся проблемами русской художественной культуры.

Книга выпущена в серии "Труды исторического факультета МГУ" (Вып. 256. Сер. II: Исторические исследования, 177).

Сборник статей подготовлен кафедрой истории отечественного искусства исторического факультета МГУ по материалам прошедшей 22-23 апреля 2022 года конференции "Русское искусство. Структуры и личности" и посвящен памяти профессора А.И. Морозова. Давая конференции подзаголовок "Структуры и личности", ее организаторы предполагали исследовать и обсудить взаимоотношение личностей в русском искусстве, а также тех организационных и творческих структур, которые эти личности создавали и создают. Издание адресовано историкам, историкам искусства и архитектуры, культурологам, студентам и аспирантам, а также широкой аудитории, интересующейся проблемами русской художественной культуры.

Книга выпущена в серии "Труды исторического факультета МГУ" (Вып. 230. Сер. II: Исторические исследования, 160).

Настоящий сборник статей подготовлен по материалам прошедшей 9-10 апреля 2021 года в МГУ конференции "Русское искусство. Мимезис и утопия" и посвящен памяти профессора В.С. Турчина. В качестве предмета обсуждения была избрана тема мимезиса и утопии, позволившая создать напряженное проблемное поле и проанализировать творческие стратегии, определившие пути развития русского искусства Нового времени и XX столетия. Если миметический подход заключается в воспроизведении форм и явлений, уже существующих в действительности (в том числе в художественной сфере), то утопический принцип предполагает бегство от нее или создание иной реальности, которая может мыслиться как своего рода путеводная звезда, направляющая человечество или индивида к высшей цели, или как умозрительная альтернатива, не претендующая на практическое осуществление, но дающая шанс хотя бы мысленно отойти от сложившихся норм. Это полярные пункты, между которыми заключена история мирового искусства, но в реальной художественной жизни мимезис и утопия могут вступать в гораздо более сложные и разнообразные отношения. В статьях сборника показана вариативность этих отношений.

Издание адресовано историкам, историкам искусства и архитектуры, культурологам, студентам и аспирантам, а также широкой аудитории, интересующейся проблемами русской художественной культуры.

Настоящий сборник статей подготовлен кафедрой истории отечественного искусства исторического факультета МГУ по материалам прошедшей 4-5 апреля 2019 года в МГУ конференции "Русское искусство. Неучтенные детали". Планируя конференцию, отражающую весь спектр истории русского искусства, мы хотели сделать акцент именно на неучтенных деталях. Речь идет о деталях разного веса - это и мелкие, но существенные для отдельного произведения искусства детали, обойденные вниманием исследователей, и совокупность фактов, важных для целостного понимания творчества художника или даже для осознания особенностей и путей развития целого стиля или направления, но, тем не менее, остававшихся вне поля научного зрения. Все эти детали собраны под одной обложкой в виде статей.

Издание адресовано историкам, историкам искусства и архитектуры, культурологам, студентам и аспирантам, а также широкой аудитории, интересующейся проблемами русской художественной культуры.

Коллективная монография является первой в рамках совместного проекта двух искусствоведческих кафедр исторического факультета Московского государственного университета имени М.В.Ломоносова - кафедры всеобщей истории искусства и кафедры истории отечественного искусства. Авторский коллектив ставил перед собой задачу по формулированию и реализации новых способов и приемов изучения отечественного искусства. Материал коллективной монографии скомпонован по хронологическому принципу и строится из глав, которые объединены в три раздела. Сквозной темой, связывающей все структурные элементы монографии, являюти феномены конструирования художественного языка и художественного метода, а также сотворения образа творческой личности. Книга рассчитана на специалистов-искусствоведов, студентов, обучающихся в гуманитарных высших учебных заведениях, и на всех интересующихся историей отечественного искусства.

Сборник статей подготоален кафедрой истории отечественного искусства исторического факультета МГУ по материалам конференции "Русское искусство. Норма н разрыв". Внимание авторов сосредоточено на вопросах, связанных с нормой в искусстве различных эпох и периодов русского искусства. Норма, упорядоченность, правила в искусстве могут быть противопоставлены разрывам, распаду или ускоренному синтезу, наконец, девиациям. В этой сцепке норма означает спокойствие, разрыв - динамику. Но возможна и динамика внутри нормы. Все эти представления служат для обострения видения искусства, они способны дать новые углы зрения на целые периоды или на отдельные памятники.

Собрание русских икон при поддержке Фонда апостола Андрея Первозванного – одна из самых значительных коллекций в современной России, постоянно пополняемая новыми произведениями. В издании представлены памятники, поступившие в Собрание в последнее время. Это 135 икон XVI – начала XX столетия, исполненные выдающимися мастерами из разных художественных центров и регионов России. Публикуемые произведения, отличающиеся высоким художественным уровнем или редкостью иконографического решения, а в ряде случаев сохранившие надписи с датами и именами иконописцев, способствуют уточнению существующих представлений о русском иконописании позднего Средневековья и Нового времени. Некоторые иконы, первоначально входившие в состав крупных, но к настоящему времени разрозненных комплексов, удалось вернуть в их первоначальный контекст. Богато иллюстрированная книга включает каталог, содержащий подробные сведения о каждой иконе, и вступительную статью, в которой дается общая характеристика публикуемой части Собрания.

Книга посвящена архитектуре и архитектурной истории ключевого памятника Великого Новгорода второй половины XIV века – церкви Спаса-Преображения на Ильине улице. Подробно рассмотрены данные письменных источников, соображения исследовавших здание ученых, памятник поставлен в контекст истории Славенского конца Новгорода, где он был построен. Для понимания характера архитектуры выдающегося храма предпринято исследование боярского заказа в новгородском искусстве и прежде всего в новгородской архитектуре. Формы памятника сопоставлены с формами их более ранних церквей Новгорода, сделана попытка на основе одного храма понять сущность боярской архитектуры вечевой республики. Книга предназначена для искусствоведов, архитекторов, историков, реставраторов, а также для всех интересующихся древнерусским искусством. Помимо текста, в книге воспроизведена 181 иллюстрация: это исторические и созданные автором чертёжи, фотографии, рисунки. Материалы для книги собраны автором в Великом Новгороде, Санкт-Петербурге и Москве. Издание осуществлено при финансовой поддержке Российского гуманитарного научного фонда (РГНФ).

Книга содержит полный обзор сохранившихся от XV века иллюстрированных рукописей Великого Новгорода. Миниатюры русских средневековых рукописей, благодаря их хорошей сохранности и отсутствию переделок, содержат важную и более полную информацию о художественном уровне и живописных особенностях местного искусства, чем дошедшие до нас иконы. Кроме того, миниатюры рукописей содержат оригинальные сюжеты и изобразительные мотивы, раскрывающие специфику местной культуры. Считалось, что в Новгороде в XV в. иллюстрированных рукописей не было вовсе, и что вся творческая энергия художников ушла в создание икон, которые пользуются большой известностью в среде историков искусства как наиболее выразительное явление в художественном наследии новгородской живописи. Первый вариант исследования Э.С. Смирновой, опровергший это мнение, вышел в 1994 г. (издательство "Наука"). Новое издание содержит более широкий материал, найденный в последние годы, и высококачественные репродукции, которые дают представление о высоком уровне книжного искусства Великого Новгорода – одного из крупнейших художественных центров Средневековой Руси.

Альбом содержит вступительную статью о Московской школе живописи, которая оставалась долгое время не оцененной историками искусства. Историческое развитие Московской школы, ее своеобразие описано авторами полно и интересно. Уникален иллюстративный материал, сопровождающий рассказ автора. Большую часть альбома занимают цветные репродукции, позволяющие в полной мере ознакомиться с искусством иконописи. Последняя часть книги – это аннотации к имеющимся репродукциям. Также представлен перечень выставок, литературы, музеев, реставрационных мастерских, библиотек.

Книга посвящена мотиву "иконы в иконе", т.е. изображениям сакрального образа в составе разных сцен вносят значительный вклад в раскрытие своеобразия древнерусской живописи. Выясняется, что в русском искусстве существовал целый пласт сюжетов, слабо представленных в других регионах православного мира. Эти сюжеты не в словесной, а в убедительной визуальной форме раскрывали идею святости икон и истинности иконного образа. К числу подобных явлений, знаковых для русского искусства, относятся многочисленность икон "Спас Нерукотворный" с надписями "Образ Нерукотворенный" (т.е. возникший без участия рук человеческих, вместо византийского указания на ткань-реликвию); распространение образа евангелиста Луки, пишущего икону Богоматери не в одиночку, а с помощью Божественной Премудрости; изображения чудес, творящихся через посредство икон Христа, Богоматери, общехристианских и русских святых; особые циклы, посвященные истории русских чудотворных икон. Обнаруженные особенности указывают на исключительное отношение русской культуры к иконному образу, остро воспринимаемому и как средство контакта с горним миром, и как один из способов наставления в вере, и как чудотворящая святыня. В 2011 году Э.С. Смирнова получила за эту книгу Ломоносовскую премию второй степени.

В истории русского средневекового искусства есть период, который до сих пор остается самым темным и малоизученным. Это столетие от середины XIII до середины XIV в., между татарско-монгольским нашествием и возвышением Москвы при митрополите Алексие и великом князе Дмитрии Ивановиче Донском. В обеих «Историях русского искусства», выпушенных при участии И. Э. Грабаря, этот период не получил освещения. Единственным регионом, которому исследователи отводили активную культурную роль в XIII–XIV вв., долгое время оставался Новгород.

Новизна современного этапа в изучении русского искусства середины XIII – середины XIV в. состоит в появившихся возможностях заполнить лакуну и показать преемственность искусства зрелого XIII в. по отношению к искусству домонгольских центров и возродившегося после татарского нашествия Ростова. Новые возможности возникли в связи с новыми находками и развитием мировой византистики. Хронологические рамки отраженного в книге периода трудно определить в виде конкретных дат. В качестве его нижней границы можно указать приблизительно 1250-е годы, когда намечаются первые признаки восстановления культурной жизни. Верхней же границей служит начало правлении Алексия (1354–1378), т. е. тот период, когда на Руси, особенно в Москве, уже готовился необычайный художественный расцвет, по времени соответствующий так называемому позднепалеологовскому периоду в византийском искусстве и оставивший после себя целую вереницу выдающихся произведений иконописи.

Географические границы исследования носят несколько размытый характер. Для данной работы наиболее важны памятники тех земель, которые некогда составляли ядро великого княжества Владимирского, но после кончины Всеволода Большое Гнездо стали быстро дробиться. В книге собраны произведения из музеев разных городов России. Многие иконы совсем недавно попали в поле зрения исследователей. Наряду с иконами в книгу включены три уникальные лицевые рукописи. Эти произведения впервые позволяют охарактеризовать художественную жизнь большого края, который сыграл выдающуюся роль в становлении искусства Москвы и русской традиции в целом.

Книга состоит из ряда очерков, посвященных зодчеству Москвы еще недостаточно изученного периода первой половины XVIII столетия.  Исследование имеет специфический уклон. Он предполагает характеристику не только самих памятников, но и личностей, непосредственно инициировавших их создание, а фактически соавторов – царственных и обладающих большими возможностями  именитых заказчиков – Петра I, императриц Анны Иоанновны и Елизаветы Петровны, А.Д. Меншикова,  братьев Гагариных, П.И. Ягужинского, четы Головкиных и других. Важнейшая особенность привлекаемого материала состоит в том, что за исключением нескольких сильно перестроенных и изменившихся до неузнаваемости церквей и дворцовых зданий, рассмотренные в книге сооружения  давно не существуют. Сознавая это, опираясь на графические и письменные архивные и музейные источники, а также привлекая  воспоминания современников, автор стремится донести до читателя облик когда-то существовавшего города, неизмеримо более полнокровный и красочный, нежели тот, что мы наблюдаем сегодня. В этом отношении книга может заинтересовать не только специалистов, но самый широкий круг читателей, почитающих отечественную старину и московские достопамятности. Издание осуществлено при финансовой поддержке Департамента СМИ и рекламы г. Москвы.

Сборник содержит тексты докладов конференции «Россия-Германия: культурные связи», прошедшей 1 марта 2013 года на Историческом факультете Московского университета, отделение истории и теории искусства, в рамках Года Германии в России. В прозвучавших на конференции докладах были затронуты самые разные стороны культурного обмена, длящегося между двумя странами на протяжении веков: это и проблема изучения искусства русской иконы на Западе — в частности, в Германии, и почти детективное расследование обстоятельств пребывания западных мастеров в России времен Ивана Грозного, и роль немецких художников и посредников в формировании коллекций европейского искусства при Екатерине II, а также отдельный блок тем по искусству XX века. Последнее неудивительно, поскольку начало XX века в нашем восприятии стало не иначе как рубежом новой эры в искусстве, сбросившем тогда иго прежних образов и принявшемся творить свой мир, со всеми вытекающими отсюда проблемами, очень разноплановыми, как сугубо личностными, так и претендующими на универсальность. Конечно, аспекты взаимовлияний России и Германии в области искусства нисколько не исчерпываются темами докладов конференции; где были отмечены только отдельные точки. Между тем, в культурном пространстве, сформировавшемся между двумя странами, существуют целые созвездия-явления, состоящие из множества звезд-личностей, которые могут стать темой для отдельного исследования. В сборнике опубликованы тексты как ученых мирового уровня, так и молодых исследователей.

Книга посвящена историческому прошлому московских садов. И тех, которые и поныне радуют посетителей своим обликом, одухотворенным памятью о былом, и тех, которых нет сегодня. Но сохранились письменные свидетельства, изобразительные материалы, на них и построена книга. В ней также использованы современные фотографии авторов. Всё вместе позволяет составить представление о различных этапах ландшафтной архитектуры Москвы, о богатстве и разнообразии композиционных решений и оформления садов и парков, о характерных особенностях садовой жизни. Издание осуществлено в рамках издательской программы Правительства Москвы при финансовой поддержке Департамента средств массовой информации и рекламы г. Москвы. в 2014 году книга стала лауреатом 10-го Всероссийского конкурса региональной и краеведческой литературы "Малая Родина", проводимого Федеральным агентством по печати и массовым коммуникациям.

Книга посвящена искусству использования растений при оформлении интерьера – с древних времен вплоть до начала XX века. Впервые достаточно широко представлена история оформления таких важных элементов частного дома как оранжереи, частные сады и просто «зеленые уголки» комнат. В книге фигурируют многие важнейшие памятники русской архитектуры, из тех, что включали в свой ансамбль экзотические растения, раскрываются интерьеры не только общественных зданий, но и частных особняков. Работа снабжена иллюстрациями на основе натурной съемки, а также – редкими планами усадеб и дворцов, воспроизведениями картин и акварелей, видами с открыток из коллекции автора. Она адресована искусствоведам, дизайнерам и всем тем, кто заинтересован в изучении искусства включения растений во внутреннее пространство зданий.

Портреты ктиторов и донаторов – заказчиков храмов, фресок, икон, рукописей и прочих произведений искусства – важный феномен культуры стран византийского мира. Изображения ктиторов раскрывают представления о взаимоотношениях человека с Богом и пути к достижению спасения, ярко характеризуют религиозное сознание Средневековья, особенности восприятия власти и общественной иерархии, наконец, позволяют реконструировать обстоятельства создания конкретных памятников. Опубликованная работа представляет собой первое в отечественной литературе систематическое исследование русских ктиторских портретов XI - начала XVI в. Автор уделяет особое внимание выявлению этих произведений, их интерпретации в контексте общих закономерностей развития русского средневекового искусства, а также вопросу о своеобразии русской портретной традиции в сравнении с аналогичными традициями других стран византийского мира.

Книга посвящена творчеству К.С.Петрова-Водкина (1878–1939), которое рассматривается в контексте западноевропейских «реализмов» первой трети ХХ века. Подобный ракурс исследования обусловлен устойчивым развитием русского мастера в широком диапазоне между авангардом и традиционализмом и его острой реакцией на заметные новации в мировой художественной практике. В качестве зарубежных аналогий привлекаются итальянская «метафизическая живопись», ряд французских реалистических тенденций 1920–1930-х годов, а также отдельные примеры немецкого экспрессионизма и искусства «новой вещественности». Предпринятый в книге сравнительный анализ одновременно расширяет понимание стилевых закономерностей в отечественном искусстве ХХ столетия.

Книга написана на тему «история искусств как предвидение или провидение». Эпоха романтизма изучена достаточно подробно. Однако некоторые понятия, что стали принципиальными в эпистеме романтизма, мерцали задолго до XIX столетия. Достаточно вспомнить о том, что само слово «Романтизм» возникло в эпоху барокко. Намерением автора было обратиться к этим «двойникам романтизма» и, прощупав пограничные зоны культуры, до-знаться о тех сомнительных с позиций академического канона смыслах, парадигмах, что парадоксальным образом подтверждали различия, не общее, но особенное в культуре Романтизма и предшествующих ему эпох. Те романтические образы и темы, что путешествуют по страницам предлагаемой книги во многом оппозиционны языку культуры собственно романтической. То есть формулируемый нами романтизм оказывается во многом омонимом романтизму XIX столетия. Методологически подобная модель -  поиск идейного различия культурных текстов разных эпох при их формальном сходстве – конечно же, восходит к знаменитому труду Эрвина Панофского «Ренессанс и «ренессансы» в искусстве Запада». Труд великого создателя иконологического метода изучения и интерпретации искусства позволяет увидеть рождение великого художественного стиля будто в обратной перспективе, помогает отказаться от инспирированной позитивизмом, неверной во многом эволюционистской модели культуры, когда каждый предшествующий период как бы подготавливал другой и в сознании некоторых интерпретаторов оказывался будто бы слегка ущербным по сравнению с тем самым окончательным и главным «большим» стилем (будь то Ренессанс, Романтизм, Реализм). Книга не может претендовать на совершенную и завершенную систему культурных значений, идей и образов. С помощью пластических искусств она лишь помогает установить некоторые зеркала, в которых будущая романтическая эпоха странным образом видит свое перевернутое изображение, своего антипода-двойника. Жанр книги – собрание очерков, которые группируются по трем разделам: Письмо, Автор, Лейтмотивы.

В книге рассмотрено творчество 23 художников, формировавшихся в 1960-1970-е годы в России, преимущественно Москве, Петербурге и Одессе (часть из них ныне живет за рубежом). В отличие от сторонников радикальных художественных решений все они придерживаются фигуративного искусства. Хотя, конечно, художественный язык их своеобразен, и одни тяготеют к реализму, другие – к знаку и символу (то, что автор называет дефигурацией и трансфигурацией).  Задача автора заключалась в том, чтобы раскрыть образный строй произведений этих мастеров, указать на формальные решения избранных ими тем. Всё это дает возможность показать часть панорамы активной художественной жизни страны. Первоначально их творчество встречалось властями крайне негативно, их работы не брали на выставки, самих мастеров не принимали в творческие союзы. Тем не менее, по мере либерализации, их искусство получало всё больший доступ к зрителю. В настоящее время все они признаны крупными мастерами. Те начала, которые ими были заложены тогда, развиваются у них и по сей день. Они сохраняют те выбранные ими ранее стратегии, которые кажутся плодотворными. Автор стремился показать, что есть общего в их искусстве, определенного временем, и что определяет яркую индивидуальность каждого. Композиция книги строится следующим образом: дано введение, обрисовывающее общую ситуацию, а затем следует творческие портреты избранных мастеров.  

Второй том «Истории русского искусства» посвящен основным событиям и именам отечественного изобразительного искусства XVIII и XIX  столетий в историческом пространстве, получившем некогда наименование «петербургского периода». Программное «западничество» образует сверхсюжет этого периода. Внутри него вырисовывается ряд коллизий, составляющих проблемное поле изложения: судьба антитезы «Москва – Петербург»; символика моря и корабля в связи с иконографией высотных композиций в русской архитектуре; принцип новоевропейского «регулярства» в градостроительной практике; пути усвоения и становления жанровой системы и перспективного образа мира в искусстве, где еще жива была память иконной изобразительности, и, наконец, перемена культурных ролей Москвы и Петербурга в конце рассматриваемого периода. Книга М.М.Аленова демонстрирует авторский взгляд на развитие отечественного искусства указанного периода.

Книга посвящена творчеству Г.Сретенского и Н.Стеньшинской. Художники активно работали начиная с 1920-х годов и завершили творческий путь уже ближе к концу ХХ столетия. Со времени ученичества во Вхутемасе до самой смерти они оставались преданными традиции московской школы живописи, рожденной еще в самом начале 1910-х годов крупнейшими мастерами ХХ века, собравшимися тогда  в объединении «Бубновый валет», и утвердившей свою жизнеспособность в искусстве потомков.  Можно сказать, они находились на магистральном пути русского искусства и, подытожив опыт начала века, пронесли его принципы до самого конца его. Свою творческую деятельность Г.Сретенский и Н.Стеньшинская начали в 1920-е годы. Ученик П.Кончаловского, Г.Сретенский был одним из основателей общества «Бытие», созданного в 1922-м году выпускниками и студентами ВХУТЕМАСа. Ученица И.Машкова, Н.Стеньшинская вошла в его состав в 1925-м году. История «Бытия» (1922-1929), одного из самых первых и заметных художественных объединений, особенно показательна не только для осмысления процессов, происходивших в художественной жизни 1920-х годов, но и шире - путей развития русского искусства в ХХ веке. В книге публикуются материалы, посвященные обществу художников «Бытие». Они содержат каталоги выставок общества, протоколы и стенограммы заседаний, рецензии в печати, отрывки воспоминаний. Все тексты печатаются без купюр, что позволяет сохранить их документальных характер и желанием погрузить читателя в атмосферу времени со всеми его перипетиями, исканиями и заблуждениями. Публикация материалов сопровождается статьей, цель которой - восстановить историю общества. Книга содержит альбом репродукций художников.

Книга является продолжением глобального исследования В.С.Турчина о В.Кандинском. Первый том, под названием "Кандинский в России", опубликован в 2005 году. Автор - В.С.Турчин, известный исследователь русского авангарда, целенаправленно воплощает в жизнь свою мечту: показать значимость личности  Кандинского  всесторонне, во всем ее величии, разносторонности и противоречивости. И если в первом томе акцент был сделан на биографию, документальные свидетельства и иконологические экскурсы, то второй посвящен живописи, музыке, театральным и стихотворным  опытам  гениального художника.

Невозможно в пределах одного издания отобразить и осмыслить все творческое наследие одного из крупнейших русских художников ХХ века Петра Кончаловского. Каждый период творчества великого мастера заслуживает отдельных исследований и глубокого анализа. Вместе с тем, очень интересна эволюция творчества художника в целом, на протяжении всей его жизни. Несмотря на стилистические различия в произведениях разных периодов, очевидны общие черты его творчества. Прежде всего, это стремление в каждом своем произведении достичь максимальной силы воплощения, рожденное в синтезе различных стилей и направлений в живописи. Здесь Петр Кончаловский - непревзойденный мастер. Именно поэтому его произведения так узнаваемы. Издание представляет собой иллюстрированный альбом Петра Кончаловского с монографией известного искусствоведа - В.С.Турчина.

Монография посвящена одной из важных сторон русского художественного сознания XVIII века – представлению о состоянии западноевропейских школ. Теоретики, художники, знатоки и любители искусства оценивают его, исходя из собственных убеждений в том, как должно выглядеть искусство. Это отражает стремление обозначить место русского художественного процесса в общеевропейской среде.

Книга посвящена творчеству яркого художника и теоретика искусства В.Кандинского. Отметая схематизированные представления, B.C.Турчин тщательно выписывает портрет незаурядной личности, детально прорисовывает образ эпохи, когда создавал свои произведения один из отцов-основателей абстракционизма. Художник Василий Васильевич Кандинский (1866-1944) был лишен советского гражданства как "невозвращенец" в 1928 году, когда он жил в Германии и когда ему было уже шестьдесят два года. На его родине, в стране, столь склонной к метаниям и социальным экспериментам, правительственными кругами решено было постараться предать забвению имя великого мастера. Правда, как предмет критики и как пример "буржуазного искусства" его произведения экспонировались на ряде выставок, посвященных "разложению культуры" в конце 1920 - начале 1930-х годов в Москве и Ленинграде. Советские партийные чиновники опередили своих коллег-нацистов в Германии, преподав им урок "политического понимания искусства". Те, поняв чужеродность мастера новой культуре, спровоцировали поспешный выезд художника из Германии в Париж в 1933 году. Они же поместили его работы на знаменитую выставку "Дегенеративное искусство" (1937), где европейский авангард был показан в качестве образца "вырождения" искусства. Примечательно, что последний при жизни русского мастера показ его картин в Германии произошел именно в Мюнхене, в городе, который он некогда избрал своим пристанищем, в котором боролся за утверждение нового искусства.